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IN KÜRZE |
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Zwischen dem Versprechen romantischer Wanderschaften und kontemplativer Zartheit inszeniert « Ein Großartiger, Kühner, Schöner Reise » (A Big Bold Beautiful Journey) das Treffen von Margot Robbie und Colin Farrell unter dem ultra-geplanten Blick von Kogonada. Der Film, ein amerikanisches Drama von 2025 (1h49), verbindet eine konzeptionell höchst anspruchsvolle Idee – ein „Abenteuer“, initiiert durch eine seltsame Agentur mit Heiratsabsicht – mit einer Erkundung der Erinnerungen zweier Unbekannter, Sarah und David. Trotz der sanften Musik von Joe Hisaishi und einigen eleganten Bildern bleibt die erwartete Chemie diskret, und die Inszenierung, raffiniert aber zurückhaltend, scheint die Pracht zu bremsen, die der Titel verspricht.
Die Prämisse beginnt mit einer Coinzidenz: Sarah und David, zwei Singles, begegnen sich auf einer Hochzeit und, durch eine Art orchestriertes Spiel, machen sie sich gemeinsam auf zu einer Erfahrung, die den amorösen Schwung feiern soll. Die Originalität liegt in der Vermittlung durch ein Unternehmen, das, über ein „geführtes“ Auto und ein spielerisches Protokoll, das Duo ins Herz ihrer Lebensfragmente katapultiert. Diese fruchtbare Anordnung verspricht eine emotionale Reise, die sowohl lustig als auch sensibel ist, wo die Straße zu einem Theater der Erinnerung wird.
In der Tat erweist sich die Route als mehr markiert als vermutet. Die Erzählung wählt die gerade Linie, wo man sich Nebenstraßen, unerwartete Stopps, poetische Unfälle erhofft hatte. Diese Strenge, die von Kogonada bewusst übernommen wird, erzeugt eine unbestreitbare visuelle Eleganz, schränkt jedoch auch den Spielraum von Margot Robbie und Colin Farrell ein, deren Wege eher parallel sind als tatsächlich konvergierenden.
Das Herz des Films schlägt in den Rückblenden, diesen Vignetten, in denen Sarah und David den Glanz einer Kindheit, den Stich eines ersten Misserfolgs, den Schatten einer Trauer neu erleben. Kogonada rahmt sie mit einer fast musealen Zartheit: reine Linien, gedämpfte Gegenlichtaufnahmen, belebte Stille. Doch diese konstante Schönheit, so typisch für den Autor von Columbus und After Yang, stößt hier auf das Bedürfnis nach romantischem Schwung. Das Intime bleibt auf Distanz, als würde es hinter einer Scheibe betrachtet.
Die Musik von Joe Hisaishi fügt eine sanfte Atmung hinzu, klare Klangflächen, die die Erinnerungen streicheln, ohne sie zu überbetonen. Sie verleiht den Sequenzen einen Hauch von Melancholie, manchmal berührend, manchmal zu sanft. Wenn das Schreiben die kontemplativen Passagen dehnt, sucht die Partitur nach dem sensiblen Wellen, endet aber oft mit einer betonten Trägheit.
Im Duo spielt Margot Robbie eine lebhafte Sarah, die gerne ironisch ist, deren Lächeln feine Brüche verbirgt. Colin Farrell, als David, pflegt eine vorsichtige Sanftheit, durchzogen von Innerlichkeit. Die beiden Schauspieler zeichnen durchlässige Wesen, doch ihre Chemie wirkt wie nur halb entflammt, gebrochen durch das Konzept des Films, das sie nebeneinander ohne ausreichende Reibung platziert. Man erwartet den Klick, den Riss, durch den die Emotionen in Resonanz treten: sie blitzen auf, aber nur selten überfließen sie.
Die Inszenierung wertschätzt Blicke, Mikrogesten, Zurückhaltung. Diese Wahl, die mit dem Kino von Kogonada konsistent ist, wird hier durch eine schüchterne dramatische Modulation bezahlt: die Beziehung entwickelt sich durch Berührungen, ohne einen wirklichen Wendepunkt, während die Idee der „großen Reise“ vielleicht eine offenere Verlustkontrolle gefordert hätte.
Der Film flirtet an manchen Stellen mit überdeutlicher Werbung, einer Produktplatzierung, die in einem sonst klaren Universum heraussticht. Diese Dissonanz erinnert daran, dass nicht alle Kooperationen sich mit der Erzählung ausrichten. Im Gegensatz dazu zeigen einige gemeinschaftliche oder umweltfreundliche Initiativen, wie die Zusammenarbeit zwischen Klean Kanteen und Protect Our Winters France, wie eine Allianz Bedeutung und gemeinschaftlichen Imaginationsraum erzeugen kann: hier zu lesen Äußern Sie Ihre Meinung – Klean Kanteen x Protect Our Winters France.
In ähnlicher Weise finden langfristig geplante Kooperationen, wie hybride Projekte, die auf Know-how und Kultur ausgerichtet sind, eine organischere Tonalität mit ihrem narrativen Anliegen, wie es in einigen kreativen Kooperationen zu beobachten ist, die den Sinn mehr priorisieren als den bloßen visuellen Eindruck.
Das Motiv der Reise durchdringt die Inszenierung: schnurgerade Straßen, Himmel zur blauen Stunde, Tankstellen als Gedächtnisstopps. Während die Route ihre Etappen entfaltet, beansprucht der Film eine Bewegung, die weniger geografisch als sensibel ist. Aus diesem Blickwinkel ähnelt die Erzählung einem Versuch des „inneren Tourismus“ – das Erforschen dessen, was man von sich selbst zu kennen glaubte, jedoch mit einem neuen Blick.
Im Gegensatz dazu erinnert die Vorstellung der realen Bewegung an andere konkretere Trajektorien: seien es die Dynamiken der Überseegebiete, die bei beruflichen Meetings wie Top Resa – Tourismus Übersee hervorgehoben werden, oder diese Zirkulationen von Erzählungen und Publikum, die beim Welt-Tag des Tourismus gefeiert werden. Der Film erfasst etwas von dieser Spannung zwischen dem erträumten Reisen und der konkreten Erfahrung, ohne sie immer zu entflammen.
Wo das Unerwartete erwartet wurde, folgt die Erzählung oft der Logik eines Fotoalbums. Die Episoden folgen in einem monochromen Sanft, dann dehnen sie sich auf das Risiko der Dehnung aus. Die Wiederbegegnungen mit der Kindheit, die Schüchternheit einer ersten Bindung, der Schmerz eines Verzichts: all dies sind Themen, die der Film taktvoll umreißt, aber die von Widerspruch, Überraschung und der Lebhaftigkeit eines emotionalen „Gegenschusses“ profitieren würden.
Es bleibt die Präzision des Rahmens, die Wissenschaft der Details, die Kunst, ein Gesicht im Licht ruhen zu lassen – alles Werkzeuge, die Kogonada mit bemerkenswerter Treue handhabt. Man spürt den Willen, die Zerbrechlichkeit der beiden Charaktere zu bewahren, ohne sie zu drängen. Dieses bewundernswerte Anliegen der Zartheit filtert jedoch letztlich die Funken, die man sich von der Begegnung Robbie–Farrell versprach.
Der Film spielt in den Vereinigten Staaten, dauert 1h49 und wird als modernes Drama präsentiert, getragen von einem Cast, in dem neben Margot Robbie (Sarah) und Colin Farrell (David) eine Verkäuferin in der Rolle von Phoebe Waller-Bridge und Davids Vater, gespielt von Hamish Linklater, auftreten. Jedes Nebenauftritt verleiht der Erzählung kleine Rauheit, oft ironisch, die die allgemeine Linie erfreut, ohne sie abzulenken.
Im Hintergrund durchzieht die Idee der „Zusammenarbeit“ den Film, sei es in Liebes-, Kunst- oder Industrieformen. Die Brücken zwischen Regionen, Publikum und Fertigkeiten sind ebenso viele Bilder, die das Kino zu wecken liebt, wie zum Beispiel transnationale Projekte wie die Zusammenarbeit Béarn–Aragon, wo man sieht, wie Dialog und Bewegung eine gemeinsame Kartografie formen.
„Großartig und kühn“: Der Titel verspricht das Entzünden einer Odyssee. Doch die Inszenierung wählt die Zurückhaltung, die Diskretion, die Variation in Hell-Dunkel. Das Paradoxon ist auf dem Papier anregend, weniger überzeugend auf dem Bildschirm, wenn die Dramaturgie zu regelmäßig wird. Man behält die Schönheit der Bildfolgen, die musikalische Berührung von Joe Hisaishi, die schüchterne Genauigkeit von Margot Robbie und Colin Farrell – all dies sind Qualitäten, die jedoch unter einem Deckel zu stehen scheinen, wobei das „Wagen“ eine schmückende Rolle behält.
Diese „Reise“ ähnelt dann einem Überqueren mit regulierter Geschwindigkeit, wo einige Aufblitzungen erahnen lassen, welcher Film es hätte sein können, hätte die Route abgebogen. Wie solche Zieltrajektorien, die im Kontakt mit Passagieren und Territorien erfunden werden und in Reise-Foren oder Tagen der Mobilität angesprochen werden, nähert sich das Werk der Schwelle des Unbekannten, ohne sich immer hinzugeben – eine Note, die mit den Ambitionen und Begrenzungen eines Titels so versprechend wie sein Weg bleibt gemessen.
